Bienvenidos a Música Electrónica
Aquí encontraran una breve reseña de lo que es y ha sido la música electrónica, además de explicar cortamente algunos de sus subgeneros.
MÚSICA ELECTRÓNICA
Es aquel tipo de música que emplea para su producción e interpretación instrumentos electrónicos y tecnología musical electrónica. En general, puede distinguirse entre el sonido producido utilizando medios electromecánicos de aquel producido utilizando tecnología electrónica que también puede ser mezclada. Ejemplos de dispositivos que producen sonido electro mecánicamente son el telarmonio, el órgano Hammond y la guitarra eléctrica. La producción de sonidos puramente electrónica puede lograrse mediante aparatos como el theremin, el sintetizador de sonido y el ordenador.
La música electrónica se asoció en su día exclusivamente con una forma de música culta occidental, pero desde finales de los años 1960, la disponibilidad de tecnología musical a precios accesibles permitió que la música producida por medios electrónicos se hiciera cada vez más popular. En la actualidad, la música electrónica presenta una gran variedad técnica y compositiva, abarcando desde formas de música culta experimental hasta formas populares como la música electronica de baile.
ALGO DE HISTORIA
1878
Thomas A. Edison patentó el fonógrafo, que utilizaba cilindros similares al aparato de Scott. Aunque se siguieron utilizando los cilindros durante algún tiempo, Emile Berliner desarrolló el fonógrafo de disco en 1887. Un invento significativo, que posteriormente tendría una gran importancia en la música electrónica, fue la válvula audión, del tipo tríodo, diseñada por Lee DeForest. Se trata de la primera válvula termoiónica, inventada en 1906, que permitiría la generación y amplificación de señales eléctricas, la emisión de radio, la computación electrónica, y otras variadas aplicaciones.
1907
Justo un año después de la invención del tríodo audion, Ferruccio Busoni publicó Esbozo de una Nueva Estética de la Música, que trataba sobre el uso tanto de fuentes eléctricas como de otras en la música del futuro. Escribió sobre el futuro de las escalas microtonales en la música, posibles gracias al Dynamophone de Cahill: "solo mediante una larga y cuidadosa serie de experimentos, y un continuo entrenamiento del oído, puede hacerse este material desconocido accesible y plástico para la generación venidera, y para el arte".
1913
El 11 de marzo de 1913, el futurista Luigi Russolo publicó su manifiesto "El arte de los ruidos" (en italiano en original, "L'arte dei Rumori"). En 1914, organizó el primer concierto del "arte de los ruidos" en Milán. Para ello utilizó su Intonarumori, descrito por Russolo como "instrumentos acústico ruidistas, cuyos sonidos (aullidos, bramidos, arrastramientos, gorgoteos, etc.) eran manualmente activados y proyectados mediante vientos y megáfonos". En junio se organizaron conciertos similares en París.
1920 – 1930
Esta década trajo una gran riqueza de instrumentos electrónicos primitivos así como las primeras composiciones para instrumentación electrónica. El primer instrumento, el Etherophone, fue creado por Léon Theremin (nacido Lev Termen) entre 1919 y 1920 en Leningrad, aunque fue posteriormente renombrado como el Theremin. Gracias a él se realizaron las primeras composiciones para instrumento electrónico, opuestas a aquellas realizadas por los que se dedicaban a crear sinfonías de ruidos. En 1929, Joseph Schillinger compuso su Primera Suite Aerofónica para Theremin y Orquesta, interpreatada por primera vez por la Orquesta de Cleveland y Leon Theremin como solista.
1940 – 1950
Música concreta
Desde alrededor de 1900 se utilizaba el magnetófono de alambre magnético de baja fidelidad y a comienzos de los años 1930 la industria cinematográfica comenzó a convertirse a los nuevos sistemas de grabación de sonido ópticos basados en células fotoeléctricas. En esta época la empresa alemana de electrónica AEG desarrolla el primer magnetófono de cinta práctico, el "Magnetophon" K-1, revelado en el Berlin Radio Show en agosto de 1935.
Durante la Segunda Guerra Mundial, Walter Weber redescubrió y aplicó la técnica AC bias, que incrementó dramáticamente la fidelidad de las grabaciones magnéticas al añadir una frecuencia alta inaudible. Extendió en 1941 la curva de frecuencia del Magnetophone K4 hasta 10 kHz y mejoró la relación señal/ruido hasta 60 dB7 sobrepasando cualquier sistema de grabación conocido en aquel tiempo.
Elektronische Musik
Karlheinz Stockhausen trabajó brevemente en el estudio de Schaeffer en 1952, y posteriormente durante muchos años en el Estudio de Música Electrónica de la WDR de Colonia en Alemania.
En Colonia, el que se convertiría en el estudio de música electrónica más famoso del mundo, inició actividades en la radio de la NWDR en 1951, después de que el físico Werner Meyer-Eppler, el técnico de sonido Robert Beyer y el compositor Herbert Eimert (que se convertiría en su primer director, hasta 1962), convencieran al director de la NWDR, Hanns Hartmann, de la necesidad de dicho espacio. El mismo año de su creación, 1951, fueron transmitidos los primeros estudios de música electrónica en un programa vespertino de la propia radio y presentados en los Cursos de Verano de Darmstadt. En 1953 hubo una demostración pública en la sala de conciertos de la Radio de Colonia donde se dejaron escuchar siete piezas electrónicas. Los compositores de los estudios electrónicos eran Herbert Eimert, Karel Goeyvaerts, Paul Gredinger, Henry Pousseur y Karlheinz Stockhausen.
Música electrónica
Si bien los primeros instrumentos eléctricos como el Ondes Martenot, el Theremin y el Trautonium eran poco conocidos en Japón con anterioridad a la Segunda Guerra Mundial, algunos compositores habían tenido conocimiento de ellos en su momento, como Minao Shibata. Varios años tras la Segunda Guerra Mundial, diferentes músicos en Japón comenzaron a experimentar con música electrónica, a lo que contribuyó el apoyo institucional, lo que permitió a los compositores experimentar con el último equipamiento de grabación y procesamiento de audio. Estos esfuerzos dieron lugar a una forma musical que fusionaba la música asiática con un nuevo género y sembraría las bases del dominio japonés en el desarrollo de tecnología musical durante las siguientes décadas.
Mediados hasta finales de los 1950
En 1954, Stockhausen compuso su Elektronische Studie II, la primera pieza electrónica en ser publicada como banda sonora.
En 1955, aparecieron más estudios electrónicos y experimentales. Fueron notables la creación del Estudio de Fonología, un estudio en el NHK de Tokio fundado por Toshiro Mayuzumi, y el estudio de Phillips en Eindhoven, Holanda, que se trasladó a la Universidad de Utrecht como Instituto de Sonología en 1960.
La banda sonora de Forbidden Planet, de Louis y Bebe Barron, fue compuesta completamente mediante circuitos caseros y magnetófonos en 1956.
El primer computador del mundo en reproducir música fue el CSIRAC, que fue diseñado y construido por Trevor Pearcey y Maston Beard. El matemático Geoff Hill programó el CSIRAC para tocar melodías de música popular. No obstante, el CSIRAC reproducía un repertorio estándar y no fue utilizado para ampliar el pensamiento musical o para tocar composiciones más elaboradas.
1960 – 1970
Estos fueron años fértiles para la música electrónica, no solo para la música académica sino también para algunos artistas independientes a medida que la tecnología del sintetizador iba volviéndose más accesible. Hacia esta época, una poderosa comunidad de compositores y músicos trabajando con nuevos sonidos e instrumentos se había establecido y estaba creciendo. 1960 fue testigo de la composición Gargoyle de Luening para violín y cinta, así como la premiere de Kontakte de Stockhausen para sonidos electrónicos, piano y percusión. En Kontakte, Stockhausen abandonó la forma musical tradicional basada en un desarrollo lineal y en un clímax dramático. En este nuevo acercamiento, que él denominó como "forma momento", recuerda a las técnicas de "cinematic splice" del cine de principios del siglo veinte.
1970 – 1980
En 1970, Charles Wuorinen compuso 'Time's Encomium', convirtiéndose en el primer ganador Premio Pulitzer por una composición completamente electrónica. Los años 1970 también vieron como se generalizaba el uso de sintetizadores en la música rock con ejemplos como Pink Floyd, Tangerine Dream, Yes y Emerson, Lake & Palmer.
En 1980, un grupo de músicos y fabricantes se pusieron de acuerdo para estandarizar una interfaz a través del que diferentes instrumentos pudieran comunicarse entre ellos y el ordenador principal. El estándar se denominó MIDI (Musical Instrument Digital Interface). En agosto de 1983, la especificación 1.0 de MIDI fue finalizada.
La llegada de la tecnología MIDI permitió que con el simple acto de presionar una tecla, controlar una rueda, mover un pedal o dar una orden en un micro ordenador se pudieran activar todos y cada uno de los dispositivos del estudio remotamente y de forma sincronizada, respondiendo cada dispositivo de acuerdo a las condiciones prefijadas por el compositor.
Desde 2000
Se populariza el término Live PA para describir cualquier tipo de actuación en vivo de música electrónica, ya sea utilizando ordenador, sintetizador u otros dispositivos.
En esta década surgen diferentes entornos virtuales de estudio construidos sobre software, entre los que destacan productos como Reason de Propellerhead y Ableton Live, que se hacen cada vez más populares. Estas herramientas proveen de alternativas útiles y baratas para los estudios de producción basados en hardware. Gracias a los avances en la tecnología de microprocesadores, se hace posible crear música de elevada calidad utilizando poco más que un solo ordenador. Estos avances han democratizado la creación musical llevando a un incremento masivo en la producción musical casera disponible para el público en internet.
GÉNEROS MÁS IMPORTANTES DE LA MÚSICA ELECTRÓNICA
Breakbeat
Breakbeat significa ritmo roto: el breakbeat mezcla estilos, abandona la cadencia ligeramente femenina del house más sensual, agrega sonidos más toscos, menos amables. Toma también ritmos del trip-hop, que acelera. En el fondo, quiere introducir variaciones para alejarse de cierto estereotipo. Conforme los artistas acceden al sonido, este se vuelve difícil de etiquetar.
Artistas destacados: Propellerheads, Fatboy Slim, The Chemical Brothers.
Synth-Pop
El synth-pop surge a finales de los 70 cuando, por los avances tecnológicos, los sintetizadores empiezan a tener precios más asequibles. La curiosidad de los jóvenes músicos deja de concentrarse en los instrumentos propios del rock y el pop (guitarra, bajo, batería) y, a la vez, aportan sonidos diferentes a los acostumbrados. Se populariza su sonido, a la vez que se simplifica su uso. Pero por encima de todo, el synth-pop es pop: un pop con una sensibilidad marcada por la amabilidad en el sonido por oposición a la pose algo agresiva que el rock ha mantenido hasta entonces.
Músicos más importantes: Kraftwerk, Depeche Mode, The Human League, Soft Cell, Tears for fears, OMD, Eurythmics, Pet Shop Boys, Grimes.
Drum'n'bass
También denominado jungle, es, como trip-hop, un nombre que define a la perfección la música que te etiqueta. Una auténtica revolución sonora, si bien un movimiento de corta duración. Cierta influencia en las herramientas de producción del dub y el reggae, el drum'n'bass es inconcebible sin la existencia de los instrumentos electrónicos. Se trata de percusiones aceleradas, bajos profundos, a veces, superpuestos a capas de sintetizadores planeadores y, ocasionalmente, voces femeninas. Un estilo condenado a repetirse y saturar, pero que procuró buenos discos a investigar.
Autores destacados: Goldie, Roni Size, LTJ Bukem, Photek.
Electro
Este es otro de los estilos en los que se reconoce la influencia de Kraftwerk en sus orígenes. Ritmos casi estáticos, con profusión de sintetizadores analógicos, cierta preponderancia por los agudos. Un sonido rápidamente moldeado al gusto por productores y músicos, con diversos resultados: Bobby Orlando, por ejemplo, lo latiniza y lo vuelve bailable en entornos luminosos. Grupos como Drexciya lo vuelven oscuro.
Músicos destacados: Aux 88, Drexciya, Bobby Orlando, Two Lone Swordsmen.
Downtempo
El género downtempo surge a medida que se descubren otros ámbitos de uso para la música electrónica de nuevo cuño al margen del baile y el uso en clubs. Los BPM se reducen y la música debe ser apta para escuchar en casa, para oír en el automóvil, para disfrutarla en bares o en terrazas, sin que su fin exclusivo sea el baile. Ello también posibilita el acceso de instrumentos más convencionales, que aportan riqueza al combinarse con instrumentos electrónicos. La apertura de miras también beneficia la mezcla de estilos: dub, reggae, música clásica o de películas, jazz, blues, empiezan a mezclarse en interesantes sonoridades. Una de sus variantes, el denominado chill out, se convierte en una especie de moda alternativa.
Músicos más importantes: Air, Zero7, Fila Brazillia, Bonobo, Goldfrapp, Global Communication, Aphex Twin, Kruder & Dorfmeister, Nicolas Jaar.
House
Hacia mediados de los años 80, un nutrido grupo de DJs y músicos norteamericanos, influidos tanto por las escuchas repetidas de clásicos de synth-pop como por músicos de funk como Prince o Sly Stone y del sonido disco, como Giorgio Moroder o Patrick Cowley, empiezan a grabar música mezclando estas influencias. El house y el techno nacen prácticamente a la vez, el house más vocal y orientado al soul y a la parte vocal, el techno más europeo. Su influencia conjunta marca la música para siempre: no hay artista pop o rock que no sienta la tentación de acercarse a ese sonido para dar accesibilidad a su música a los nuevos altares de la cultura juvenil: los clubs.
Artistas más destacados: Kym Mazelle, Todd Terry, Inner City, Kevin Saunderson, Ten City, Masters at Work, Daft Punk.
Trance
El trance surge cuando los temas convencionales de house y techno alargan su minutaje. Los músicos y los remezcladores optan por evitar alargar un ritmo de manera monótona. Son esos trucos de producción los que originan el género. Las canciones adquieren un tono épico, se introducen voces, preferentemente femeninas, con algún mensaje de ligero tono hímnico. Se para el ritmo, hay interludios de cuerdas prácticamente introspectivos, redobles. Los temas se extienden para dar paso a pequeñas opus. Un género agradecido para los DJ's, que pueden dejar sonar un disco durante diez o doce minutos.
Artistas y DJs más destacados: Underworld, Paul Van Dyk, Tiësto, Paul Oakenfold, Lindstrom
Rock electrónico
En la historia de la música popular, ha habido muchas épocas en que la electrónica y los sonidos más clásicos de guitarras parecían representar dos bandos opuestos. Los 80, con los apogeos simultáneos del heavy-metal y el synth-pop. O los primeros 90, con el techno y el grunge. Pero la realidad es que los músicos saben que una mentalidad abierta es parte importante en el proceso creativo. Así que, como en muchas cosas, la mezcla de cualidades enriqueció el producto resultante.
Artistas destacados: Primal Scream, The Chemical Brothers, Prodigy, Radiohead, LCD Soundsystem, New Order, Chromatics, Saint Etienne, Bjork.
Techno
Posiblemente el segundo gran detonante, tras el synth-pop. Culpa es de la eclosión del techno a finales de los 80, con artistas como Carl Craig, Derrick May o Juan Atkins, que la música atravesara el Atlántico, llegara al Reino Unido, a las Baleares, pasara por encima de una desorientada escena de pop bailable de los 80 gobernada por las producciones de Stock Aitken & Waterman y liderara cambios que nos han llevado hasta aquí. Desde entonces y, en un proceso que no parece tener fin, las estrellas del pop necesitaron del sonido sintético. Las estrellas del rock tuvieron que reconocer su influencia. Y la industria musical del planeta, asimila el impacto y reconoce su importancia.
Artistas destacados: Kenny Larkin, Carl Craig, Stacey Pullen, Jeff Mills, Derrick May, Juan Atkins, Richie Hawtin.
Trip-hop
El término trip-hop, hoy en día algo poco valorado como etiqueta definitoria, resulta sorprendentemente fiel al estilo que define: viajes sonoros sobre ritmos propios del hip-hop. No sólo se trata de eliminar, en muchos casos, las voces. Se trata de disfrutar de las tonalidades y las variaciones que hay en los ritmos básicos. Llegado un punto, cualquier efecto sonoro, cualquier voz que se incluye, resulta estimulante. Un género algo denostado, quizás porque en apariencia esa fórmula no podía acabar resultando muy prolífica. Pero magníficos discos han quedado como herencia.
Artistas más destacados: Massive Attack, Portishead, Tricky, DJ Shadow, DJ Krush.
TOP DE LOS DJ´s DEL MUNDO